Extra

trabajo expuesto en clase http://www.slideshare.net/edytthsafy/camras-tipos

practicas

Fotografias del curso : Rosotros y personas en su ambiente

practicas

Algunas de las fotografías presentadas en clase

Fotógrafos Mexicanos

Romualdo García

Nació en Silao, Guanajuato en 1852. Desde muy temprana edad radica en la capital del estado, donde estudia pintura y música. Con el apoyo y la orientación de don Vicente Fernández, científico y profesor del Colegio del Estado y del prestigiado fotógrafo Vicente Contreras, aprende el oficio de la fotografía, actividad que hace suya de 1887 hasta 1914, año en que deja su estudio en manos de sus hijos Manuel y Salvador.

En 1878 abre su primer estudio, convirtiéndose en el fotógrafo preferido de la sociedad guanajuatense. Su prestigio aumentó después de que la exposición universal de París le concediera la medalla de bronce. Su estudio Romualdo García e Hijos se mantuvo activo hasta los últimos años del porfiriato.

En este lapso de 27 años, Romualdo adquiere un prestigio y reconocimiento local, nacional e internacional que sin lugar a dudas lo ubican como el fotógrafo guanajuatense por excelencia, de ahí que se haya decidido adoptar el nombre de "Romualdo García" para la Fototeca Guanajuatense del museo Alhóndiga de Granaditas.

Carlos Alberto licón Minjárez (Hermosillo, Sonora, 1979)

Es Hijo de Lourdes Betina Minjárez, socióloga, y del escritor Carlos Alberto Licón González. Es padre de una niña de seis años, Libertad,
cuyo amor comparte con su esposa Elizabeth Cejudo.

“Mi acercamiento con la fotografía tiene que ver mucho con la necesidad de tomar decisiones, me permite entender qué es lo que pasa, tener una perspectiva clara para mirar a la vida con otros ojos”.
“El pretexto del visor de una cámara te da esa posibilidad de descontextualizar el resto que no aparece en la escena y te invita a pensar, a refle-xionar, creo que la fotografía para mi llega así, como una urgencia de ubicar un rumbo a dónde ir”, reflexionó.

Carlos es reportero gráfico y estudiante de la Licenciatura en Ciencias de la Comunicación ganó el primer lugar en Fotoseptiembre 2007 dentro del Concurso Estatal de Fotografía Creativa con la serie titulada “La vaca blanca”.

Licenciatura en Ciencias de la Comunicación por la Universidad de Sonora. Su experiencia en fotografía se remonta a 1998. Ha participado en una decena de exposiciones colectivas, entre ellas “Realidades Paralelas”, con Joel Verdugo, y sus trabajos forman parte de la exhibición nacional itinerante de fotografía contemporánea mexicana, organizada por la Revista Fahrenheit. Colaborador habitual en la organización de diversos cursos de fotografía con destacados instructores, como parte del proyecto Ventanas de Luz, dirigido por Joel Montoya.

Asimismo, su formación abarca distintos géneros de la comunicación, específicamente en el área del estudio de la imagen fotográfica. Reconocimientos: Premio Estatal de Periodismo 2003 en la Categoría de Fotografía y el Segundo Lugar en el Concurso Nacional de Fotografía Contemporánea de la Revista Fahrenheit.

Eunice Miranda
Egresada de La Universidad Autónoma de México (UNAM), Fotografa y maestra de la Universidad Ibeoramericana.

Las imágenes nos han invadido y con ellas la imposibilidad de ver. Una ceguera generalizada e involuntaria es el resultado de la contaminación visual en la que vivimos.Ante ello, la fotografía ofrece dos opciones: seguir llenando nuestra memoria con imágenes vacías, o bien, servir como una herramienta visual creativa que nos permita acercarnos con una mirada atenta, limpia y seductora al mundo que hemos dejado de ver.Memoria cero plante la necesidad de cambiar la mirada, de intentar ver de nuevo.
Publicó su primer libro Memoria cero en conjunto con autoridades de la UNAM.
Pariticipó recientemente en Fotoseptiembre 2009.

Manuel Álvarez Bravo

Manuel Álvarez Bravo fotógrafo de la identidad mexicana del siglo XX, artista plástico y visual que durante más de cien años de vida, contribuyó a la definición de nuestro pueblo a través de sus imágenes que nos descubren y nos determinan; nos retratan y nos muestran, desde una legendaria lente y a través de plata sobre gelatina.

Nació el 4 de febrero de 1902 en la ciudad de México, su padre fue un profesor, que de vez en cuando se dedicaba a la fotografía y a la pintura. Álvarez Bravo, antes de dedicarse a la profesión que lo proyectaría a todo el orbe, fue burócrata en varias dependencias, intentó estudiar contaduría, pero en 1915 inició su camino hacia en el quehacer artístico y se inscribió en la Academia de San Carlos para estudiar arte y música.

A pesar de estos estudios, Álvarez Bravo siempre ha sido considerado como autodidacta. Su primera influencia importante en el universo de las imágenes la tuvo en 1923 al conocer al fotógrafo alemán Hugo Brehme, quien lo incitó a comprar su primera cámara. Para 1925 obtuvo su primer premio en un concurso local en Oaxaca. Iniciaba pues, la historia de uno de los grandes fotógrafos de México y del mundo. En el mismo año, contrajo matrimonio con Lola Martínez de Anda, quien años más tarde, asumió la misma profesión.

Por aquellos tiempos conoció a Tina Modotti, Diego Rivera, Pablo O'Higgins, entre otros. Estas amistades lo estimularon ideológica y políticamente hacia el carisma social que distingue toda su obra: plasmar la cultura e identidad mexicanas, con una visión que va más allá de una simple documentación, adentrándose con gran imaginación en la vida urbana y la de los pueblos, los campos, la religión, el paisaje y las tradiciones.

En 1930, tras la salida del país de Tina Modotti, colaboró con Diego Rivera en la revista Mexican Folkways fotografiando el trabajo de los muralistas y al mismo tiempo expuso en el Museo de Arte de Berkeley, en California.

Ese mismo año, se dedica por completo a la profesión fotográfica y en 1932 realizó su primera muestra individual en la Galería Posada. En esa época compartió exposiciones con el famoso fotógrafo francés Henri Cartier-Bresson en las salas del Palacio de Bellas Artes, fascinando a André Breton, quien descubrió en su trabajo un surrealismo innato, y en 1935 le organizó una exposición en París que sería trascendental en su trayectoria artística.

En 1936 expuso en la Galería Hipocampo del poeta mexicano Xavier Villaurrutia. Durante este periodo se adentró en la experiencia de nuevas soluciones que lo apartaron por completo del lenguaje visual desarrollado por los artistas de la lente que lo antecedieron, empleando elementos que dan mayor énfasis a la capacidad para evocar imágenes, a través de los sugestivos títulos de sus fotografías, basadas en la cultura y en la tradición mexicanas, que denotan una gran perspicacia y, en ocasiones, un fino sentido del humor.

La década de los cuarenta, marcó el inicio de Álvarez Bravo en el mundo cinematográfico. Trabajó al lado del cineasta ruso Sergei Eisenstein en ¡Viva México!, y participó en rodajes de personalidades como John Ford y Luis Buñuel. Asimismo, en 1944, fue realizador del largometraje Tehuantepec, así como de los cortometrajes Los tigres de Coyoacán, La vida cotidiana de los perros, ¿Cuánta será la oscuridad? (con el escritor José Revueltas) y El obrero (con también escritor Juan de la Cabada). Es en esta década cuando consolida su madurez artística (que aún perdura), mediante recursos tales como la yuxtaposición, el aislamiento de detalles y el ordenamiento con rigor geométrico. Ello dio como resultado el manejo simultáneo de lo familiar y lo inesperado, generando una ambigüedad que invita al espectador a ver con nuevos ojos las cosas cotidianas y a construir su propio significado.

Durante una larga trayectoria nacional e internacional, que culminó con su muerte física el 19 de octubre del 2002, Álvarez Bravo acumuló experiencias, premios, reconocimientos, exposiciones, incluso gran parte de su labor ha consistido en reunir y dar a conocer importantes colecciones fotográficas, así como la creación del Primer Museo de la Fotografía en México. Dentro de sus premios destacan los siguientes: Premio Nacional de las Artes (México, 1975), Condecoración oficial de la Ordre des Arts et Lettres Français, en 1981, Premio Víctor Hasselblad (Suecia, 1984) y el Master of Photography del ICP (Nueva York, E.U.A, 1987).

Las imágenes, matriz de la obra de Manuel Álvarez Bravo registran personas, lugares y objetos que reflejan nuestra historia; contando un secreto, que no sólo tiene que ver con nuestra tierra, paisajes y tradiciones, sino que nos tocan en lo personal. Son imágenes relacionadas con nuestras ilusiones, nuestros fracasos, nuestras esperanzas, y que nos transportan hasta los recuerdos de la infancia. Este es el elemento poético que lo distingue y que al mismo tiempo lo hace universal.

En vida presentó mas de 150 exposiciones individuales y participó en 200 exposiciones colectivas. Falleció el 19 de octubre del 2002, a los cien años.

Biografía Lauren Greenfield

Lauren Greenfield

Es un artista americano / fotógrafo documental, documentalista y reportero gráfico. Ha publicado tres monografías de su trabajo fotográfico, dirigió dos (HBO) películas documentales, y ha aparecido en una variedad de revistas. Sus fotografías en general, ocuparse de las cuestiones relacionadas con la cultura juvenil, identidad de género, la imagen corporal, trastornos de la alimentación, y la influencia de la cultura popular sobre la forma en que vivimos. En mayo / junio de 2003 de American Photo Magazine, fue nombrado uno de los "Los 25 fotógrafos más importantes ahora". En abril de 2005, compartió el tercer lugar de las "100 personas más importantes en fotografía", de nuevo en American Photo Magazine.

En marzo de 2009, fue nombrada una de las ocho LA-basado maestros de la fotografía para el espectáculo inaugural en el nuevo Centro Annenberg para la fotografía, "L8S ANG3LES".

En junio de 2010, su trabajo será presentado en un show nuevo e importante en el Museo Getty de Los Angeles, denominado provisionalmente "Los observadores Engaged: Independiente Fotoperiodismo 1962-2007", junto con ocho fotógrafos de renombre de los últimos 45 años.

Greenfield se graduó de Harvard en 1987 con una licenciatura, con especialización en Estudios Visuales del medio ambiente. Su principal proyecto de tesis sobre la aristocracia francesa se llamó "Los sobrevivientes de la Revolución Francesa". Esta labor ayudó a dar impulso a su carrera como pasante para National Geographic Magazine. Una donación posterior de la National Geographic le ayudaron en su monografía de debut, "Fast Forward: Growing Up in the Shadow of Hollywood" (Knopf, 1997)

. Cinco años después del lanzamiento de "Fast Forward", Greenfield produjo una segunda gira-de-fuerza del proyecto sobre la auto-estima de la crisis entre las mujeres de América, titulado "Girl Culture", que ha sido reeditada en cinco ocasiones. Junto a sus libros, "Fast Forward", "Girl Culture", y "Thin", Greenfield produjo tres a gran escala de exposiciones itinerantes con el mismo nombre, que han sido vistas por más de un millón de espectadores en museos de todo el mundo.

Su trabajo, incluidos los cuerpos enteros de trabajo como "Girl Culture" y "Fast Forward", se encuentra en muchas colecciones importantes, como el Art Institute de Chicago, Los Angeles County Museum of Art (LACMA), el Museo Getty Center, de San Francisco Museum of Modern Art (SFMOMA), el Centro Internacional de Fotografía, el Center for Creative Photography, el Museo de Bellas Artes (Houston), el Archivo de la Universidad de Harvard, el Museo de Arte del Smith College, la Biblioteca de Clinton, y el Ministerio francés de Cultura. Está representada por el / Pace MacGill Gallery, Nueva York y el / Fahey Klein Gallery en Los Angeles.

Desde que empezó su carrera en 1991, sus fotografías se han publicado regularmente en revistas como The New York Times Magazine, Time, Vanity Fair, People, National Geographic, Stern, The New Yorker, ELLE, Harper's, Harper's Bazaar, Marie Claire, The Guardian , y The Sunday Times Magazine. Ha recibido numerosos premios de fotografía y becas, incluyendo la donación de National Geographic, el ICP Infinity Award for Young Photographer (1996), una beca de la Fundación Hasselblad, la sensibilización de la comunidad NPPA Award, y el People's Choice Award en la Bienal de Moscú. PELICULAS La Sra. Greenfield también ha dirigido un largometraje documental de HBO titulado Thin (película), y ha publicado un libro que acompaña con el mismo título. Esta película documental fue seleccionado para la competición en el Festival de Cine de Sundance en 2006.

En septiembre de 2006, Greenfield recibió el prestigioso premio John Grierson para el director del mejor largometraje documental en el Festival de Cine de Londres de 2006. Esta película también se llevó el Premio del Jurado en el Festival de Cine Independiente de Boston, el Festival Internacional de Cine de Newport, y el Jackson Hole Film Festival. Ella también recibió una nominación al Emmy 2007 al Mejor Director de la no programación de ficción de la película, Thin (película). Greenfield de seguimiento de corto, "niños + dinero" , fue seleccionado como uno de los cinco cortos de ficción en el mundo por Cine Ojo Honores 2009.

El corto también obtuvo el Premio del Público al Mejor Cortometraje en el Festival de Cine AFI 2007, el Premio de Michael Moore al Mejor Documental en el 2008 Festival de Cine de Ann Arbor, la Placa de Oro, Documental: político-social de los premios de televisión, Hugo 2008, y Mejor Corto Documental en Kids First Film Festival 2008. "Kids + dinero" también fue seleccionado en el Programa de Cortos Oficial en el Festival de Cine de Sundance (enero de 2008). 32 minutos La película incluye entrevistas con los adolescentes de Los Angeles en el tema del dinero y cómo afecta a sus vidas. HBO bajo licencia los derechos de transmisión de América del Norte a "niños + dinero", y la película se ha distribuido a las principales emisoras y redes de cable internacional.

La Sra. Greenfield es representada por el Chelsea Fotos, Stockland Martel, y el Instituto (Instituto de Gestión de Artistas). Fue miembro de la Agencia VII Photo 2002 a 2009. Está casada con Frank Evers (NYPH) (Fundador y Director General, Instituto y la Co-Chair/Co-Founder de la Nueva York Photo Festival), con quien tiene dos hijos, y residen en Venice, California.

Biografías

Oliviero Toscani

(n. 1942, Milán) Es un fotógrafo italiano, reconocido principalmente por sus campañas publicitarias diseñadas para la marca de ropa Benetton, las cuales provocaron controversia en las décadas de 1980 y 1990.

Estudió fotografía en Zúrich, Suiza, entre 1961 y 1965. Entre 1982 y 2000, Toscani trabajó para Benetton, contribuyendo al crecimiento de la marca United Colors of Benetton hasta ser una de las marcas más reconocidas mundialmente.

Una de sus campañas más famosas incluía una fotografía de un enfermo de SIDA agonizando en una cama de hospital, rodeado de familiares dolientes. Otras, incluían alusiones al racismo, la guerra, la religión y la pena capital. En 1990, Toscani fundó la revista Colors (propiedad de Benetton), junto con el diseñador gráfico Tibor Kalman. Bajo el lema "una revista sobre el resto del mundo", Colors explotaba el multiculturalismo prevalente en la época, así como a las campañas publicitarias de Benetton. La línea editorial era independiente de la marca de ropa. En 1993, Toscani creó Fabrica, un centro de investigación sobre el arte en la comunicación; y encargó el diseño al arquitecto japonés Tadao Ando.

En 2005, Toscani levantó polémicas nuevamente, cuando hizo fotografías para la campaña publicitaria de la marca de ropa masculina "Ra-Re". Los retratos aludían al homosexualismo masculino, de un modo que enardeció a diversos grupos que debatían los derechos homosexuales.

Además de trabajar con Benetton, Toscani ha sido el diseñador de campañas publicitarias para Esprit, Valentino, Chanel y Fiorucci. Las campañas de Toscani han ganado cuatro veces el premio Lion d'Or en el Festival de Cannes. Personalmente, Toscani ha recibido, entre otros premios, el UNESCO Grand Prix, y dos veces el premio Grand Prix d'Affichage. Ha tenido exposiciones individuales, en orden cronológico, en las ciudades de Venecia, Sao Paulo, Milan, ciudad de México, Helsinki, Roma y otras catorce ciudades.

Ian Wolf (Noviembre 4, 1896 – Enero 23, 1992)

Un artesano de la fotografía. Un hombre que resiste al tiempo y a sus avances para seguir utilizando técnicas añejas pero no por ello menos efectivas. Claro, con resultados diferentes que le brindan a sus imágenes un toque misterioso que pocos pueden lograr. Ese es Ilan Wolf, el fotógrafo de origen israelí que conserva y transmite sus conocimientos sobre la utilización de la cámara oscura. Esa que consiste en una caja cerrada y opaca con un orificio por donde entra la luz, y que reproduce dentro de la caja una imagen invertida.

Así, con todo ese saber a cuestas, Wolf impartió esta semana un taller en el Centro Andaluz de la Fotografía, sobre esta antigua técnica. El taller “La magia del fotograma y la técnica de la estenopeica”. Es que, como dijimos, no sólo practica la fotografía de este modo, sino que también es un maestro de lo que ama.

“Mi idea es que, con la fuerza del ser humano y la energía de la naturaleza, puedo crear fotografías. Y ahí está la base de la fotografía”, dice Wolf. Así es que el fotógrafo hace fotografías en estado puro, sin tecnología de por medio. Así es como crea sus propias cámaras con cualquier objetos que pueda servirle para ese fin, desde una caja de galletas, de zapatos, una lata de refresco y hasta un pimiento. Un espacio hermético que dará como resultado esas imágenes únicas, lejos de la tecnología y la manipulación. Y cerca, muy cerca del génesis de la fotografía.

Andres Serrano
(Nueva York, 15 de agosto de 1950)

Es un fotógrafo estadounidense que se ha convertido en uno de los más notorios a través de sus fotografías de cadáveres, además de su polémico trabajo "Piss Christ", una fotografía de un crucifijo sumergido en un vaso con la orina del propio artista.

Serrano, de raíces hondureñas y afro-cubanas fue educado como católico. Estudió desde 1967 a 1969 en el Brooklyn Museum and Art School, y vive y trabaja en Nueva York.
Su trabajo ha sido expuesto en lugares tan variados y prestigiosos como la Catedral de Saint John de Nueva York, el Barbican Arts Centre de Londres y en la Colección Lambert Avignon.

La obra de Serrano como fotógrafo suele ser en forma de ampliaciones de 0.5 por 0.8 m, producidas con técnicas fotográficas convencionales (sin manipulación digital). Ha tratado un vasto conjunto de temáticas incluyendo retratos de miembros del Ku Klux Klan, fotos de cadáveres, e imágenes de víctimas quemadas.

Muchas de las fotografías de Serrano contienen fluidos corporales, tales como sangre (a veces del ciclo menstrual), semen (por ejemplo, "Blood and Semen II" (1990)) o leche materna. Dentro de esta serie hay numerosos trabajos de objetos sumergidos en estos fluidos. El más famoso de ellos es Piss Christ" (1987), un crucifijo de plástico inmerso de un vaso de orina. Esta fotografía causó una gran polémica la primera vez que fue expuesta. Serrano, como otros artistas como Robert Mapplethorpe, se convirtió en una figura atacada por producir arte ofensivo, mientras que otros lo defendieron en nombre de la libertad artística.
La obra "Blood and Semen III" se usó como portada del disco Load de la banda de heavy metal Metallica, mientras que la obra "Piss and Blood" se usó en ReLoad.

Su base de operaciones es la ciudad de New York, con todos los riesgos que representa para los artistas quienes muestran trabajos religiosos controversiales.
A pesar de lo controversial de su trabajo, la Catedral de San Juan el Divino en Manhattan, ha presentado diversas muestras suyas con la correspondiente polémica.

Dentro de un mundo tan convulsionado como el de las últimas dos décadas, Serrano ha presentado la religión, el sexo, los mitos del poder enmascarados detrás de sus uniformes y símbolos. Serrano utiliza la fotografía para presentar un mundo poblado de contradicciones, “no de conflictos sino de dicotomías”.

El suyo es un panorama donde conviven símbolos y arquetipos, fetiches de belleza y horror, personajes del poder y sus uniformes (las fotos de los Ku Klux Klan), la vida y la muerte (La Morgue). El aporte de Serrano son sus obras paradojales (presentadas en series), las cuales no dan lugar a un juicio definitivo. Más bien tienden a dejar al público suspendido entre percepciones que alteran la cotidianeidad, para llevarlo a contemplar al mundo desde otro lugar. El mismo dice: “En mi trabajo siempre busco lo inusual, o al menos lo que no es considerado tradicionalmente bello. Trato de encontrar lo normal en lo extraño y vice-versa”.

En sus trabajos expuestos en la Catedral de San Juan el Divino (“Mundo sin Fin”), parece haber dejado de lado la controversia para lograr la contemplación.

En la primera parte de la exhibición, “La Iglesia”, muestra retratos de curas, monjas y objetos eclesiásticos tradicionales. Serrano tomó las fotografías durante sus viajes a España, Italia y Francia, y la exhibición se realizó dos años después de la controversia surgida con “Piss Christ”. La segunda parte de la muestra es “La Morgue”, la cual muestra seis fotografías de cadáveres.

Estas son imágenes de acercamiento de partes del cuerpo como manos, pies y torsos, entre ellos un bebé. Por como fueron tomadas, es difícil determinar desde el principio que se trata de sujetos muertos. Esta serie de 1992, dio al espectador una visión distinta de la muerte, un tema tan tratado desde que existe el hombre: “confronta al público con lo súbito de la muerte, su brutalidad, su soledad y su finalidad”.

El trabajo de Serrano ha sido objeto de controversia inclusive en el Senado de los Estados Unidos. En 1989, se discutió sobre el aporte que recibió Serrano de dinero de los contribuyentes (unos $15.000) para montar una de sus exposiciones. Su trabajo fue tildado de basura, y él y quienes ayudaron en el montaje de pseudo-artistas.

Robert Mapplethorpe

(Nueva York, 4 de noviembre de 1946 – Boston, 9 de marzo de 1989) Decía: " Nunca me gusta la fotografía" "Me gusta el objeto"."Yo busco lo inesperado"."Busco cosas que nunca he visto"-

Fue un fotógrafo norteamericano, célebre por sus fotografías blanco y negro de gran formato, especialmente flores y desnudos. El contenido sexual de algunos de sus trabajos, calificados de pornografía, generó más de una polémica durante su carrera.

Empezó su carrera como cineasta independiente y artista, usando fotografías en collages. Todavía no se consideraba a sí mismo un fotógrafo, pero deseaba utilizar sus propias fotografías en sus pinturas, en lugar de imágenes sacadas de revistas. "Nunca me gustó la fotografía", fue citado diciendo, "No la fotografía en sí. Me gusta el objeto. Me gustan las fotos cuando las tienes en la mano".

Sus primeras polaroids consisten en autorretratos y la primera de una serie de retratos de su amiga, la cantante-artista-poeta Patti Smith. Estas primeras obras fotográficas se presentaban generalmente en grupos o elaboradamente presentadas en marcos cuyas formas y pinturas eran tan importantes para el acabado de la pieza como la propia fotografía. El paso de Mapplethorpe a la fotografía como único medio de expresión ocurrió gradualmente durante mediados de los años setenta.

La polémica en torno de su arte no fue casual. Mapplethorpe buscó la presencia de temática homosexual, utilizó como modelos a actores del cine pornográfico y elementos de la cultura sado-masoquista de forma intencional, temas controvertidos que con el tiempo fueron utilizados como símbolos de la cultura LGBT en su lucha por la igualdad y el reconocimiento. En 1978, publicó el X Portfolio y el Y Portfolio en ediciones limitadas. El X Portfolio gira en torno a las imágenes fotográficas de comportamiento sadomasoquista, mientras que el Y Portfolio se centra en las flores y bodegones. En 1981, publicó el Z Portfolio, que se centra los hombres afroamericanos, también en una edición limitada.

Sus fotografías sexualmente cargadas de hombres afroamericanos han sido objeto de críticas por explotación Esta crítica fue el tema de una obra del artista conceptual norteamericano Glenn Ligon, Notas al margen del Libro Negro (1991-1993). Ligon yuxtapone varias de la más icónicas imágenes de hombres afroamericanos de Mapplethorpe, extraídas de su Libro Negro, de 1988, con diversos textos críticos para complicar el trasfondo racial de las imágenes.

En junio de 1989 el artista Pop Lowell Nesbitt Blair se involucró en el escándalo que afectaba a su amigo Robert Mapplethorpe. La Corcoran Gallery of Art, el museo de arte más antiguo de Washington DC, había accedido a acoger una exposición individual de las obras de Robert Mapplethorpe, sin hacer una estipulación en cuanto a qué tipo de temática se utilizaría. Mapplethorpe decidió hacer su famoso debut de fotografías "sexually suggestive" (sexualmente sugestivas), que era una nueva serie que estaba explorando poco antes de su muerte.

La jerarquía de la Corcoran, e incluso algunos miembros del Congreso se horrorizaron cuando les fueron mostradas las obras, por lo que el museo se negó continuar con la exposición. Fue en este momento en que Lowell Nesbitt Blair dio un paso adelante; fue durante largo tiempo amigo de Mapplethorpe y reveló que había dispuesto un legado en obras por un valor estimable en 1.500.000 dólares para el museo en su testamento, aunque, en declaraciones públicas que causaron un gran interés en la prensa al respecto de la cuestión Nesbitt prometió que si el museo se negaba a acoger la exposición de las polémicas imágenes creadas por Mapplethorpe podría revocar su legado.

El Corcoran se negó y Lowell Nesbitt Blair cambió el destino de su legado a la Colección Phillips, que citó como una fuente de inspiración en los comienzos de su carrera, cuando había trabajado allí en su juventud como vigilante nocturno.

Misha Gordin

Es un fotógrafo ruso nacido en 1945 dedicado por completo a la fotografía conceptual de una brillante manera. Como él mismo escribe:
"Soy el que toma las fotografías de la realidad existente, o creando mi propio mundo, tan verdadero pero no existente. Los resultados de estos dos acercamientos tan opuestos son notablemente diferentes y, en mi opinión, la fotografía conceptual es una forma más alta de expresión artística que pone la fotografía en el nivel de la pintura, de la poesía, de la música y de la escultura. Emplea el talento especial de la visión intuitiva. Traduciendo los conceptos personales en la lengua de la fotografía, reflejando las respuestas posibles a las cuestiones importantes de ser: nacimiento, muerte y vida"

En 1974 tras años de descontentos con las autoridades comunistas, deja Rusia para irse a Estados Unidos. Misha Gordin aprovechando las nuevas técnicas de la fotografía digital se centra en un enfoque conceptual en sus trabajos,buscando más el concepto que la veracidad de las fotografías.

Autores Biografías

Joseph Nicéphore Niépce:

7 de marzo de 1765 - † Saint-Loup-de-Varennes, 5 de julio de 1833

Fue un terrateniente francés, químico, litógrafo y científico aficionado que inventó, junto a su hermano, un motor para barcos y, junto a Daguerre, la fotografía. Niépce estaba interesado en la litografía, y comenzó sus experiencias con la reproducción óptica de imágenes realizando copias de obras de arte, utilizando para ello los dibujos realizados para la plancha por su hijo. Sus primeros experimentos, en 1813, utilizaban gomas resinosas expuestas directamente a la luz del sol. Su primer éxito en la obtención de medio sensible a la luz vino con el uso de asfalto disuelto en aceite.

Obtuvo las primeras imágenes fotográficas de la historia en el año 1816, aunque ninguna de ellas se ha conservado. Eran fotografías en papel y en negativo, pero no se dio cuenta de que éstos podían servir para obtener positivos, así que abandonó esta línea de investigación.

Un par de años después, ya en 1818, obtiene imágenes directamente en positivo, sacrificando de este modo las posibilidades de reproducción de las imágenes, por ser las obtenidas imágenes únicas.

A causa de una apoplejía sufrida en su estudio de Saint Loup de Varennes (Borgoña), falleció el día 5 de julio de 1833, a los sesenta y ocho años, siendo enterrado en el cementerio del pueblo.

Julia Margaret Cameron ( 11 de junio de 1815 - 26 de enero de 1879 )

Fue una fotógrafa inglesa que se dedicó al retrato fotográfico de corte artístico, así como a la representación escenográfica de alegorías que la enmarcan en la corriente de la fotografía academicista.
Llegó a exponer en la Exposición Universal de 1870, y su obra fue reconocida póstumamente, junto a la de Lewis Carroll, gracias a su reivindicación por parte de los fotógrafos del pictorialismo, así como al apoyo del grupo literario de Bloomsbury y a su sobrina nieta Virginia Woolf.

Nace en Garden Reach, Calcuta, como Julia Margaret Pattle, de padre oficial en la Compañía East Indias y descendiente de aristócratas franceses, el 11 de junio de 1815. Del año 1818 al 1834 se educa en Paris e Inglaterra. En la India conocerá a su marido, Charles Hay Cameron dueño de una gran plantación de té. Él, 20 años mayor que ella, le proporciona una vida más que desahogada. Así en 1848 se mudan a Inglaterra y en 1860 se establecen en la Isla de Wight con los Tennysons como vecinos, a los que fotografiará infinidad de veces. En 1863, su hija la regala una cámara de fotos, Cameron tiene 48 años de edad y aquí comienza su carrera fotográfica. Cameron era una aristócrata ociosa que encaja perfectamente en la sociedad de la Inglaterra victoriana, y en ese contexto tener de hobbie la fotografía era bastante exclusivo. Al año siguiente de su regalo obtiene lo que ella llama "su primer logro, su primera fotografía". Ese mismo año es elegida miembro de la Sociedad Fotográfica de Londres y Escocia.

Se compra otra cámara de Placas de 12×15 cm, lente focal de 30 s, trabaja con aperturas abiertas y exposiciones de 3 a 7 minutos. En 1868 expone en la "Galería Alemana de Londres" y Charles Darwin la contrata para que realice sus retratos.

Se cree que Oscar Gustav Rejlander y Lewis Carroll la instruyeron en la fotografía, los dos fotógrafos fotografiaron a Cameron, su familia y su casa en la isla de Wight. En 1863 Rejlander fue a la Isla de Wight a fotografiar al vecino Tennyson y parece ser que Cameron aprendió las técnicas básicas de él. También estaba en la Isla C. Jabez Hughes que escribió que "Cuando las mentes busquen expresar ideas morales y belleza religiosa empleasen el arte fotográfico, entonces podrían orgullecerse de este arte e izarlo." Esta visión concuerda totalmente con la forma de ver la fotografía de Cameron. La Literatura, el Renacimiento, la Pintura Pre-Rafaelíta y la Biblia influenciaron su obra.

Por su posición social y económica, Cameron pudo mantenerse fiel a sus principios estéticos con más tenacidad que otros colegas. Transformó en su casa de campo, el depósito de carbón en cuarto oscuro y el gallinero en estudio.
Cameron repetía las copias una y otra vez, hasta que se sentía satisfecha del resultado. Jamás retocaba o ampliaba sus negativos: sacaba copias de contacto de sus enormes placas húmedas. Trabajaba convertida en una ermitaña de su profesión, descuidada al vestir, sucia en su propio trabajo (sus negativos llevan manchas y huellas dactilares) y apasionada en sus creaciones.
Se trasladó a la Isla de Wight con su familia para vivir cerca de su amigo el poeta Tennyson, allí organizó un verdadero cenáculo literario. La personalidad de Cameron es una mezcla de excentricidad, genio, instinto e inspiración.

En sus retratos consigue captar la fuerza expresiva de sus modelos, con tanta maestría como podría hacerlo un pintor. Realizaba exposiciones de 7 segundos en placas de 30x40 cm. Su meta era reproducir la grandeza del hombre interior al mismo tiempo que los rasgos del hombre exterior, lográndolo, como se aprecia en su "retrato del Sir John Herschel". Este es un típico retrato masculino de Cameron, el cuerpo es reducido a casi solo la cabeza, sin ningún tipo de referencia externa, la cabeza se convierte en un icono que implica inteligencia, individualismo y por encima de todo genialidad. En cambio sus retratos femeninos los trata de forma diferente, estas resaltan la belleza, el ideal de belleza del Renacimiento, a veces con ayuda de complementos, como las alas de la fotografía "I Wait" que nos evocan a las pinturas de ángeles del Renacimiento.

Una de sus preocupaciones era realizar obras genuinas, captar la belleza ideal que emana del rostro de sus modelos. Sus retratos de primeros planos son en realidad primerísimos planos tal vez con una intención metafísica. Se ve en estos retratos de Cameron una clara influencia de una corriente de pensamiento muy de moda en la Inglaterra de la época que es la frenología, que sostiene que la inteligencia y el carácter de la persona está marcado en la forma de la cabeza, parece que en ello incide la obsesión por analizar los rostros, pero su intención última es profundizar hacia el interior.

Cameron también cultivó la fotografía alegórica academicista con obras como El beso de la paz de 1859, Ruega por nosotros, alegoría de la anunciación para el Ave María, o El aroma de los lirios, entre otras. Es esta producción la que le lleva a ser integrada en la corriente de la fotografía academicista.

Sus fotografías tienen algo de religioso, de pictorialismo cristiano, como las pinturas de Rafael. La historia sagrada se funde con la poesía, como en las fotografías de sus "Madonnas", que transmiten la pureza, el niño dormiendo mientras su madre cuida...
Despreciaba la técnica y por ello utilizaba objetivos inadecuados para las placas utilizadas. Le era indiferente que las placas resultaran manchadas, arañadas. Con todo ello pretendía la obtención de unos efectos que alejaran la realidad de las imágenes captadas.

Las fotografías estaban realizadas con un objetivo que no cubría el formato de las placas húmedas utilizadas por ella (20x25 y 30x40 cm) y estaban descuidadas, con las placas manchadas o arañadas; por ello los miembros de la "London Photographic Society" no la admitieron entre ellos. Los fotógrafos la criticaban porque consideraban la calidad de sus fotografías malas, ya que no aprovechaba las ventajas técnicas de la cámara, como la nitided, pero para ella primaba antes lo estético a lo técnico, buscaba más la expresión poética que la realista, expresión que conseguía sin duda y por la que ha pasado a la historia de la fotografía.
Rechazaba la idea de que la cámara era un objeto para documentar en vez de para crear arte.

Trabajó con su arte durante doce años, hasta su muerte a los 60. Siempre fue consciente de su valor como artista y en cartas escritas por ella misma se puede leer: “aspiro a ennoblecer la fotografía y garantizarle el carácter y los logros de las artes mayores”.
Falleció en Ceylán, en 1879.

Alberto García-Alix (n. León, 1956)

Es un fotógrafo español. Premio Nacional de Fotografía en 1999, García-Alix expuso por primera vez en la Galería Buades en 1981.
Su obra recorre diversos países y es admirada en publicaciones como Vogue, British Journal of Photography o Vanity Fair. Destacan sus retratos en blanco y negro, con series dedicadas a las motos, los presos, las estrellas del porno, los yonquis y los tatuajes. Fue uno de los protagonistas más destacados de la llamada Movida madrileña. Amante de las motocicletas y de los retratos sus cámaras Leica y Hasselblad han inmortalizado a importantes artistas nacionales e internacionales. Las motos, los tatuajes, la música y la noche han sido sus musas de inspiración.
Es hermano de Carlos García-Alix, pintor y escritor, autor de El honor de las injurias (2007), largometraje documental sobre Felipe Sandoval.

Marcel Duchamp

Marcel Duchamp (/maʀsɛl dyˈʃɑ̃/ Blainville-sur-Crevon, 28 de julio de 1887 - Neuilly-sur-Seine, 2 de octubre de 1968). Artista y ajedrecista francés, cuya obra ejerció una fuerte influencia en la evolución del arte de vanguardia del siglo XX.

Nació el 28 de julio de 1887 en Blainville-Crevon, un pequeño pueblo al noreste de Ruan, donde su padre, Eugène Duchamp, ejercía como notario y alcalde. Fue el tercero de seis hermanos. Sus dos hermanos mayores, que adoptaron más tarde los nombres de Raymond Duchamp-Villon y Jacques Villon, decidieron dedicarse al arte, quizás debido a la influencia de su abuelo materno, que tras ganar una fortuna considerable como agente marítimo se había retirado para dedicarse a sus principales aficiones, el grabado y la pintura, llegando a exponer algunas obras en la Exposición Universal de París (1878)

En 1904, Montmartre llevaba más de cincuenta años albergando a la comunidad artística de París. Marcel se presentó al examen de la École des Beaux-Arts, que suspendió. Se matriculó en una escuela privada, la Académie Julian, que abandonó poco después por la vida en los cafés del barrio, donde, como era habitual en ese momento, llevaba un cuaderno en el que dibujaba escenas de la vida cotidiana. Tras su servicio militar en Eu, cerca de Ruán, volvió a París en 1906. Por aquel tiempo realizó dibujos humorísticos, una actividad que gozaba de prestigio en la época. En 1907 se seleccionaron cinco de sus dibujos en el primer Salon des Artistes Humoristes. En 1908 se eligieron, hoy en día desaparecidas, para el Salón d'Automne, una importante exposición anual. Marcel pintó durante los años siguientes con un estilo fauvista, del que Matisse era el abanderado.

Aunque Duchamp, muchas veces contradictorio en sus afirmaciones, en ocasiones rechazó la influencia de Cézanne, en otras reconoció haber permanecido una larga temporada bajo su influjo, bajo el que probablemente pintaría Retrato del padre del artista, un retrato psicológico de su padre. Pintó más retratos por aquel tiempo, incluyendo uno de su amigo el Doctor Dumochel en el que exageró algunos rasgos físicos. A este respecto, Duchamp comentó que fue un primer intento de dotar de humor a su obra. En 1910 pintó La partida de ajedrez, en la que aparecían sus dos hermanos jugando al ajedrez en un jardín con sus mujeres abstraídas en sus cavilaciones. Al exponer este cuadro junto a otros cuatro en el Salón d'Automne pasó a ser societaire, lo que suponía el derecho a exponer sin ser examinado previamente por un jurado.

Aunque sus primeras pinturas mostraban talento, produjo pocas obras en comparación a otros artistas. Fue ésta una época de titubeos y experimentación con varias tendencias.

A partir de Retrato de jugadores de ajedrez, primera pintura innovadora, cada obra de Duchamp era distinta a las anteriores. Nunca se detuvo a explorar las posibilidades que abría una nueva obra, simplemente cambiaba a otra cosa. Por este tiempo dejó de frecuentar tanto a sus hermanos y pasó a estar en contacto sólo con un grupo de amigos, en especial con Picabia. Entonces empieza a interesarse por la plasmación pictórica de la idea movimiento. El primer intento de esta línea es Joven triste en un tren, que Duchamp consideró un esbozo. Además de por la nueva línea que abre, esta obra es notable por ser la primera vez en la que Duchamp juega con las palabras en sus obras, pues según él eligió triste por su aliteración con train.[6] La siguiente obra de Duchamp continuó esta senda. Se trata de Desnudo bajando una escalera, del que pintó dos versiones.

Duchamp se embarcó junto a Chastel a bordo del Crofton Hall rumbo a Buenos Aires, donde llegarían veintiséis días más tarde con la intención de quedarse algunos años. A las tres semanas de su llegada le llegó la noticia de la muerte de su hermano Raymond Duchamp-Villon, que se había alistado voluntario y contrajo una fiebre tifoide con complicaciones en un hospital militar.

Según escribió a Crotti, a Duchamp Buenos Aires le pareció muy machista, pues la sociedad bonaerense no aceptaba a las mujeres solas. Además, escribió a Ettie Stettheimer «Buenos Aires no existe. No es más que una gran población provinciana con gente muy rica sin pizca de gusto que todo lo compra en Europa». Pero al mismo tiempo le gustaba, pues continuaba «Estoy muy contento de haber descubierto esta vida tan distinta... en la que encuentro placer en el trabajo». Compró un vidrio y empezó a trabajar en efectos que quería trasladar al Gran Vidrio. También trató de organizar una exposición cubista para introducir a los bonaerenses al arte moderno, para lo que pidió ayuda a su amigo Henri-Martin Barzun de París, que le debía traer treinta cuadros cubistas, poemas de Mallarmé y revistas de vanguardia. Barzun no colaboró y la exposición no prosperó.

Pero pronto dejó el trabajo de lado por el ajedrez. Compró revistas de ajedrez y estudió partidas de José Raúl Capablanca. En 191 se apuntó a un club de ajedrez y empezó a jugar por correspondencia con Arensberg. Para Duchamp el ajedrez era «una obra maestra del cartesianismo» y «tan imaginativo que, a primera vista, ni siquiera parece cartesiano» y le atraía enfrentar las dos actitudes, la ajedrecística y la artística. Yvonne Chastel acabó cansándose del ajedrez y volviendo a París.

Duchamp se casó, para sorpresa de sus conocidos, en 1927 con Lydie Sarrazin-Levassor, a la que había conocido por medio de Picabia. Duchamp escribió a propósito de su boda a Katherine Dreier «Me caso en junio. No sé cómo explicarlo, porque ha sido tan repentino que me resulta difícil de explicar. [Lydie] No es especialmente guapa ni atractiva, pero parece tener una mentalidad capaz de comprender cómo puedo sobrellevar el matrimonio». Tomkins opina que Duchamp contrajo matrimonio buscando la estabilidad económica que le ofrecía el padre de Lydie, fabricante de automóviles. Sin embargo, la pensión que le concedió a su hija fue de unos escasos 2.500 francos.

Aunque las primeras semanas fuerno, según Lydie, que escribe «estuvimos muy unidos, muy íntimamente» y Duchamp, que escribe en una carta a Walter Pach «ha sido una experiencia encantadora hasta el momento y espero que siga así. Mi vida no ha cambiado en nada; tengo que ganar dinero, pero no para dos», en verano afloraron los problemas. Lydie era ajena al arte moderno, y no cuadraba con los amigos de Duchamp, por ejemplo cuando Crotti le pidió que posara desnuda. Tampoco sobrellevaba bien la afición de Duchamp por el ajedrez, que le tenía estudiando situaciones de juego hasta la madrugada.

En una ocasión pegó los trebejos al tablero. Poco después Duchamp le dijo que se iba a jugar con Man Ray y que no volvería. Se continuaron viendo hasta que Duchamp le pidió el divorcio en octubre, que les fue concedido el 25 de enero de 1928.Tras el divorcio, Duchamp continuó su relación con Mary Reynolds y siguió participando en torneos de ajedrez. En 1929 viajó con Dreier por España y Alemania. En el Torneo de Hyéres le concedieron el premio a la brillantez y en el Turnoi International de Paris de 1930 jugó con los mejores ajedrecistas del planeta. Terminó último, pero empató con Xavier Tartakower e hizo tablas con George Koltanowski. Participó en varias competiciones con el equipo nacional francés, capitaneado por Alexander Alekhine, campeón mundial, perdiendo más partidas de las que ganó. Edward Lasker lo consideró «un jugador muy

Después de 1915 pintó muy pocas obras, aunque continuó trabajando hasta 1923 en su obra maestra, La novia puesta al desnudo por sus solteros, incluso (1923, Museo de Arte de Filadelfia), una obra abstracta, conocida también como El gran vidrio (Le grand verre). Realizada en pintura y alambre sobre vidrio, fue recibida con entusiasmo por parte de los surrealistas.
La obra original se encuentra en el museo de Filadelfia y está agrietada, debido a un mal embalaje en el traslado al Museo de Brooklyn en 1926, única vez que se pudo contemplar en su estado original. Diez años después, el propio Duchamp restauró la pieza en casa de Katherine Dreier, en aquel momento su propietaria.

Su Rueda de bicicleta (el original de 1913 se ha perdido; tercera versión de 1951, Museo de Arte Moderno, Nueva York), uno de los primeros ejemplos de arte cinético, estaba montada sobre una banqueta de cocina.
Además de su obra plástica, es muy importante destacar su afición a los juegos de palabras que muchas veces se encontraban presentes en los títulos de sus obras, produciendo una multiplicidad de hilarantes lecturas.

Los últimos años de su vida, Duchamp preparó en secreto la que sería su última obra y que sería armada sólo después de su muerte, ésta es un diorama que se observa a través de un agujero en una puerta del museo de Filadelfia, lo que ahí dentro se ve, es una parte del cuerpo de una mujer, ostentando una lámpara en un paisaje rural. El título añade aún más incertidumbre a las lecturas que se puedan hacer de la obra "Dados: 1. La cascada 2. El gas del alumbrado público".(Etant donnés: 1-la chute d'eau, 2- le gaz d'éclairage.)

Existe otra "lectura" de la obra de Duchamp, y, por inclusión, de todo el llamado "arte moderno": Toda su obra es una burla al espectador, carente por completo de significado de ningún tipo. Dalí se mofaba abiertamente de la "búsqueda de lecturas" de los críticos de arte moderno. Solía decir: "Esto que he hecho ni sé lo que es, pero está lleno de significado".